Albert Irvin était un peintre résolument urbain, indissociable de son Londres bien-aimé. Jusqu’à sa disparition en 2015, il arpentait sans relâche les rues de la ville et empruntait les transports en commun pour rester connecté au pouls vibrant de la métropole. Cette relation passionnée avec Londres a profondément façonné sa carrière. Nombre de ses œuvres portent les noms des rues et lieux londoniens, et il abordait la toile avec la même logique qu’il appliquait à la ville : les dimensions et les bordures étaient des contraintes, semblables à des murs ou des obstacles, qui guidaient le mouvement. Il établissait souvent un parallèle entre le geste ample de son pinceau sur la toile et la manière dont il errait, ou même valsait, à travers la vie.

Pour Irvin, la matière de la peinture et le mouvement du pinceau étaient les moyens de saisir l’expérience quotidienne dans toute sa plénitude. Il décrivait la surface peinte, l’« espace actif », comme un contexte humain, une analogie du vivre, du mouvement et de l’amour dans le monde. Peindre, pour lui, était une façon de canaliser la force vitale, d’exprimer la richesse de l’existence humaine avec toutes ses émotions. Par-dessus tout, les tableaux devaient transmettre du sentiment. Pour Irvin, l’art devait communiquer l’énergie stupéfiante de la vie, et rien ne comptait davantage que d’utiliser son œuvre pour incarner une humanité profondément compatissante.

Cette conviction que les tableaux sont des réceptacles d’émotion a guidé sa transition de l’art figuratif à l’abstraction. En 1956, Irvin découvre l’exposition Modern Art in the United States à la Tate Gallery (aujourd’hui Tate Britain). « Ce fut comme une bombe qui explosait », confia-t-il plus tard. La découverte des œuvres de Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Clyfford Still et Barnett Newman le convainquit que le véritable défi de sa génération était de peindre des vérités sur la réalité sans représenter d’objets, de créer une vision du monde sans recourir à l’imitation. Abandonner la représentation permit à l’émotion authentique de devenir centrale. L’énergie audacieuse et la confiance des expressionnistes abstraits américains donnèrent à Irvin l’élan final pour délaisser les scènes figuratives de la vie ouvrière et embrasser l’abstraction : « Il est possible d’exprimer ce que l’on ressent en tant qu’être humain sans avoir à peindre des nez ou des pieds. »

La musique fut une autre influence cruciale sur sa pratique. Il souhaitait que ses peintures, comme la musique, incarnent une expérience pure et immédiate. Tout comme la musique n’exige pas d’explication, son art devait résonner instantanément. « L’abstrait peut prendre une ligne, l’isoler ou la répéter différemment pour révéler sa force, comme Beethoven avec quelques notes dans sa Cinquième Symphonie », disait-il. « Comme pour les premières mesures d’une symphonie, on ne se demande pas : ‘Qu’est-ce que cela représente ?’ Cela est, tout simplement. » Tout au long de sa carrière, Irvin aspira à cette même immédiateté dans ses tableaux.

Les œuvres de Albert Irvin: Early work from the '60s capturent un moment décisif de la carrière d’Irvin, lorsqu’il s’était pleinement immergé dans l’abstraction tout en travaillant encore à l’huile. Il passa définitivement à l’acrylique en 1974, alors qu’il enseignait à Goldsmiths, mais les œuvres exposées ici sont principalement réalisées à l’huile. Nino Mier Gallery est ravie de présenter ces œuvres rarement vues, issues d’une période charnière. Dans des pièces comme Place, 1965 et Nexus, 1966, les souvenirs persistants du service d’Irvin comme navigateur dans la Royal Air Force pendant la Seconde Guerre mondiale sont encore perceptibles. Les cartes aériennes et les vues qu’il étudiait alors résonnent dans ses champs de couleur structurés. Sa palette des années ‘60, imprégnée de rouge (sa couleur favorite), de bruns terreux et de kaki, reflète directement ces expériences de guerre. Dans la Grande-Bretagne d’après-guerre, l’adoption audacieuse du rouge par Irvin tranchait avec les palettes feutrées de ses contemporains, où les tons terreux et la retenue dominaient. Loin d’être décoratif, son usage de la couleur était immersif et chargé d’émotion, faisant écho à l’intensité de l’expressionnisme abstrait tout en affirmant une nouvelle énergie radicale dans la peinture britannique. Pourtant, même ici, il recherchait intuitivement l’harmonie et la complémentarité dans ses couleurs.

La palette d’Irvin s’enrichit à mesure que les fabricants de peinture introduisaient de nouveaux pigments. Inspiré par son admiration pour Henri Matisse, il commença à expérimenter avec des formes découpées dans du papier pour jouer avec ces couleurs vives et fraîches. Dès lors, ses contrastes irradiaient un optimisme affirmant la vie. Pour Irvin, les couleurs n’étaient jamais neutres ; elles étaient des états émotionnels, des agents actifs qui façonnaient l’âme d’un tableau. Si la peinture était un langage, les couleurs étaient ses verbes, les éléments qui propulsaient le spectateur à travers l’œuvre. Chaque teinte était un choix délibéré. Bien qu’Irvin aimât prétendre que ses tableaux devaient « sembler avoir été réalisés en cinq minutes », en réalité, il travaillait lentement et avec soin, pesant chaque décision.

Cette énergie bouillonnante, cette quête d’insuffler mouvement et vitalité à ses toiles, était essentielle pour Irvin. Le rythme effréné de Londres reflétait sa propre nature exploratrice et pleine d’entrain, qu’il partageait avec sa femme Betty, rencontrée à l’école d’art à l’âge de 18 ans. Ensemble, ils nourrirent une passion durable pour la musique, le théâtre, la danse et la littérature, sources d’inspiration qui continuèrent d’alimenter son énergie tout au long de sa vie. Ses tableaux rayonnent de cette vitalité, débordant de l’énergie qu’il souhaitait transmettre à ses spectateurs. Il ne cherchait pas seulement à représenter le mouvement, mais à provoquer une réponse instinctive, presque physique, chez son public. Pour Irvin, l’abstraction était le véhicule idéal pour exprimer les dynamiques émotionnelles de l’existence. Ensemble, ses œuvres évoquent le tumulte de la vie urbaine tout en suggérant des luttes intérieures. Ses marques distinctives demeurent le témoignage le plus authentique de sa présence dans la peinture, un hommage à l’être humain vibrant, joyeux et profondément généreux qu’était Albert Irvin.