Contrairement à l'engouement actuel de la société pour les images animées au rythme effréné, ralentir peut être bénéfique. Les peintures de Gregory Hodge exigent ce temps, invitant les spectateurs à les apprécier pleinement, à tout absorber et à laisser l'œuvre se dévoiler progressivement. À bien des égards, elles contrastent directement avec la surcharge de courts extraits qui dominent la consommation médiatique moderne. Ces peintures ne peuvent être appréciées d'un coup d'œil fugace ; elles exigent une observation soutenue. Ce faisant, Hodge oblige son public à ralentir et à changer de perspective. Ses œuvres invitent à s'engager à plusieurs niveaux, en s'intéressant à la fois à la surface et à l'image. De près, des motifs hypnotiques attirent le spectateur et éveillent sa curiosité quant au processus de peinture. De loin, ces motifs se fondent dans des scènes tranquilles et poétiques.

Les motifs distinctifs de Hodge proviennent de son intérêt profond pour les tapisseries, résultat naturel de sa vie et de son travail en France, où il a effectué deux résidences à la Cité internationale des arts. Il y a étudié de près l'art de la tapisserie française et s'est passionné pour les peintres du XIXe siècle tels que Pierre Bonnard, Maurice Denis et Édouard Vuillard, qui ont exploré la texture et la lumière. « Bien que l'intérêt pour les tapisseries ait constitué une part importante des recherches que j'ai menées à la Cité internationale des arts, j'ai l'impression que mes nouvelles peintures renvoient à une conversation sur la peinture elle-même », explique Hodge. Les peintures ressemblent à des tapisseries, mais ne sont pas liées aux règles qui régissent l'aspect d'une tapisserie. D'une certaine manière, Hodge nous rappelle où se trouvent la véritable liberté et la beauté de la peinture : s'affranchir des systèmes, des attentes et des règles existants pour créer quelque chose de nouveau.

Les œuvres de l'exposition Echo développent cette imitation des tapisseries. La complexité et les détails des peintures de Hodge guident le regard du spectateur, détournant l'attention de l'image sous-jacente en se révélant progressivement, créant ainsi une expérience visuelle fascinante et prolongée. Les œuvres invitent à une inspection minutieuse pour déchiffrer leurs couches. À l'aide de peignes, de pinceaux et d'outils artisanaux spécialement adaptés, Hodge crée des traits qui évoquent la chaîne et la trame des tissus : « Le fait de traîner la peinture me permet d'explorer des sujets personnels et intimes ». Ce processus lent et délibéré reflète le savoir-faire des tapisseries, qui étaient historiquement tissées à la main pendant des mois. Il en résulte des toiles d'une qualité artisanale distincte, imitant parfaitement les qualités optiques de l'art de la tapisserie sur une surface peinte.

L'abstraction gestuelle ou l'expressionnisme abstrait ne sont pas les objectifs de Hodge. Pour lui, son travail est une question de mimétisme lorsqu'il s'agit des motifs détaillés de ses œuvres. De près, ses toiles peuvent ressembler à un labyrinthe abstrait. Même lorsqu'on les regarde de loin, les images semblent vaciller et ne pas être reconnues. Hodge obtient cet effet en utilisant de la peinture acrylique translucide et des gels pigmentés, créant ainsi des tons et des teintes variables. Les structures en forme de toile et les textures translucides déforment et brouillent les images, leur conférant une qualité brumeuse, semblable à celle d'un film. « En appliquant puis en retirant partiellement des couches de peinture, j'essaie de créer un sentiment d'excavation, comme si je tirais la lumière vers l'avant depuis le dessous de la surface », a déclaré Hodge.

Autrefois connu pour son abstraction audacieuse, Hodge navigue désormais dans une interaction dynamique entre l'abstraction et l'imagerie. Ses peintures dissolvent des fragments visuels de la vie quotidienne (intérieurs, fleurs, tissus à motifs, paysages, vues de fenêtres ou ciels atmosphériques) dans des compositions stratifiées et ambiguës, qui rappellent le groupe des Nabis du XIXe siècle, à la croisée de l'impressionnisme et de l'art moderne. Ces scènes proviennent souvent de photographies de moments réels, offrant un aperçu de la vie quotidienne et des souvenirs personnels de l'artiste.

« Le titre de cette exposition suggère la façon dont les images de ces peintures réapparaissent comme des souvenirs familiers mais déformés, vus pendant un moment avant de se dissoudre dans des voiles de couleur et d'abstraction, ne laissant qu'une trace derrière eux ». Hodge a créé cette série en pensant spécifiquement à l'espace de la galerie de Bruxelles, en concevant des œuvres qui répondent au caractère à la fois expansif et intime du bâtiment. La façon dont la lumière pénètre dans la galerie des deux côtés, projetant de chaudes nappes de soleil sur les peintures, complète le rôle central de la lumière dans le travail de Hodge. "Je suis attirée par la façon dont la lumière filtre à travers les arbres, se reflète sur l'eau ou brille à travers une fenêtre. Dans beaucoup de ces peintures, on a l'impression que la lumière vient de l'arrière, comme une boîtier lumineux, un doux contre-jour qui éclaire l'image".

L'exposition Echo témoigne de l'évolution remarquable de la pratique de Gregory Hodge, qui continue d'explorer de manière inattendue l'interaction entre la perception, la mémoire et la matière. Ce qui a commencé comme une abstraction purement gestuelle s'est transformé en touches expressives superposées à des scènes figuratives, qui sont maintenant devenues les scènes elles-mêmes, révélant leur intégralité avec une ouverture croissante. "Une peinture peut contenir un moment qui semble à la fois reconnaissable et insaisissable, suspendu entre la clarté et l'abstraction”.